Miu Miu 30 Blizzards en Paris Art Week: una conversación con la artista Helen Marten

Para entender mejor el proceso creativo y el mensaje de 30 Blizzards, te presentamos una entrevista exclusiva entre Helen Marten y el periodista Alexander Fury.

¿Cómo surgió este proyecto? ¿Qué te intrigó de la propuesta? ¿Por qué quisiste crear esta obra?

La invitación me llegó a través de una llamada de teléfono de la Fondazione Prada de Milán. Al igual que todas las sorpresas, se presentó como una tentación tremendamente amorfa, a la vez arriesgada, abierta y generosa. Por supuesto, me sentí honrada e intrigada por colaborar con Miu Miu, y la posibilidad de producir una obra cuyo factor principal fuera una performance de larga duración me pareció especialmente especial, dado que es algo que no había hecho explícitamente antes.

Quería hablar de la relación entre Miu Miu y el arte, también relacionada con la propia relación de Miuccia Prada con el arte. ¿Cuál ha sido tu experiencia al respecto? ¿Cómo lo percibes?

No creo que haya muchos visionarios auténticos, cuya intención y generosidad se alineen de una manera tan generativa e influyente que realmente remodelen los paradigmas culturales de un momento. La señora Prada es una de esas personas, y es una lección de humildad que se me haya concedido la confianza para trabajar en un proyecto tan amplio y complejo como este.

¿Cómo describirías lo que van a experimentar los visitantes cuando entren en el Palais d'Iéna para la exposición Art Basel Paris? ¿Con qué se encontrarán?

En sentido literal, hay múltiples niveles y espacios en los que experimentar la obra, todos ellos contenidos dentro de la lógica arquitectónica brutalmente formulista del lugar. Es interesante pensar en estos espacios como capas de agregación, una laminación metafórica de información desde abajo hacia arriba: las esculturas se disponen en el suelo en una sola línea formal de arriba abajo; cada una de ellas se empareja a la altura de los ojos con una nueva viñeta de video; y, a una escala más macro, hay dos dispositivos de instalación más amplios que aprovechan la performance: una pista industrial cinética, elevada con altas plataformas alrededor de todo el perímetro del espacio, y un díptico ampliado de paredes que sostienen un “escenario cívico” central.

Esta obra abarca una amplia gama de medios: escultura, instalación, video, performance. ¿Cómo interactúan y se relacionan todos esos elementos?

La idea es que todos los modos de “presentación” se conviertan en variables iterativas: personajes y significados estructurales que flotan sin jerarquía a través de todos los contextos. El libreto y el esquema de los personajes nos vinculan a una serie de familiaridades narrativas que luego se reflejan en los símbolos materiales de los elementos físicos más formales de la obra. Cronológicamente, las cinco esculturas fueron las instigadoras de la pieza. Para mí era importante aprovechar la materialidad hecha a mano como una especie de hilo conductor.

Esta obra supone tu primera pieza performativa. ¿Cuál fue el proceso de desarrollo de esta obra? ¿Cómo fue esa experiencia? ¿En qué se diferenció de tu trabajo hasta la fecha?

El performance se ha desarrollado en estrecha colaboración con el director de teatro y ópera Fabio Cherstich y la compositora y artista musical Beatrice Dillon; los videos, con el animador Adam Sinclair. Es un placer exquisito poder compartir e intercambiar intereses comunes, pero con una verdadera diversidad de experiencias y conocimientos técnicos: tengo mucha suerte de estar en su órbita. Junto con Fabio, he secuenciado el esquema de las escenas y su tono, cómo los personajes habitarán los espacios, cómo son sus personalidades granulares, cómo se diseñan sus trajes, sus movimientos y sus impresiones.

¿De dónde viene la palabra “Blizzards” (tormentas de nieve) para describir la obra y qué deseas transmitir con ella?

Blizzards es, por supuesto, un término meteorológico, pero también es coloquial: lo usamos como palabra para describir un diluvio o una sobreabundancia de información. La repetición de z z z z podría ser como la emoción de la electricidad o, por el contrario, el sedante del sueño: es una palabra maravillosamente onomatopéyica: apresurada e hipnotizante. Como título, pretendo que se perciba como un aparato para definir el clima emocional de aquellos que pasan por él y quedan atrapados en su interior.

Espero que sea correcto decir que la escritura y el lenguaje desempeñan un papel fundamental en tu proceso creativo. ¿Cómo se utilizó la escritura en el desarrollo de esta obra? ¿Cómo da forma a su resultado final?

Es correcto. Tener la versatilidad del lenguaje es, paradójicamente, convertirse en algo ligero y enormemente pesado como operador de ideas. No hay nada más especial que el privilegio de pensar y reorganizar, pero cuanto más sabes, más te das cuenta de lo poco que sabes, ¡y viceversa! El lenguaje se enciende de la forma más incendiaria, para bien y para mal. Creo que el desarraigo es especialmente especial, porque sugiere una nueva forma de avanzar, una forma de llegar como un ser humano culturalmente cargado con nuevas posibilidades.

La obra está escrita, pero, por supuesto, en una actuación en vivo con público presente, hay un elemento de imprevisibilidad. ¿Qué importancia tiene, si es que tiene alguna, la idea del azar y la casualidad en esta obra?

La experiencia del teatro en vivo, por ejemplo, pone de manifiesto las limitaciones del lenguaje y la racionalidad a la hora de expresar la identidad humana; las acciones cotidianas y fortuitas también crean miles de millones de transcripciones de consecuencias teatrales. El ser y el significado no son accidentales. El restaurante, el médico, la fábrica, el zoológico, la plaza, la oficina, la sala de estar… todo puede ser presenciado teniendo en cuenta las convenciones de la coreografía. Quizás, entonces, el cuerpo y cómo se mueve a través de estos contextos es la diferencia irreducible entre la arquitectura y el espectáculo.

¿Qué importancia tienen los visitantes de esta instalación? ¿Cómo influirán tu presencia y tus movimientos en la experiencia de tu obra?

Los monólogos en vídeo siguen una voz singular “yo”, pero el guion parece consciente de su complicidad en un evento performativo. Las voces del libreto se dividen en «nosotros» y hay una sensación alternativa de empuje hacia un conjunto profundamente colectivo de deseos e intenciones. Me encanta la idea de un personaje soprano llamado Snow que habla tanto en primera persona como en plural, como si sus reflexiones personales fueran internas, pero su temperatura de compromiso fuera plural y lo abarcara todo, al igual que las cualidades materiales de la nieve literal, que lo cubre todo.

Y si el público se comporta y, por lo tanto, experimenta la obra de una manera específica dentro del entorno de una galería, ¿en qué se diferencia eso cuando tu obra se presenta en este espacio alternativo, con sus propios valores culturales e historias? ¿Influyó eso en tu concepción de la obra?

Cuando se me ocurre una idea, a menudo se concreta en una avalancha de significados conectados, como un fantasma que antes estaba fuera de la vista, pero cuyo rostro ahora finalmente se vuelve discernible y, lo que es más emocionante, abordable. Puedes desterrarlo o alentarlo. Esto es lo que te permite hacer la creación artística. Por ejemplo, detalles incidentales como una pelota, una caja o una hoja se convierten en partes cómplices de la simbolización de una imagen, que luego se convierte en un evento.

¿Qué quieres que el público se lleve de “30 Blizzards”?

Curiosidad. Placer. Esperanza.

¿Cuál es tu opinión sobre Miu Miu, sobre el significado detrás de la marca y su estética? ¿Y cómo se conectan y se reflejan esas opiniones en “30 Blizzards”?

La moda y la ropa están vinculadas a cuestiones más amplias sobre la política de la visibilidad y la difusión. Por un lado, está la artesanía sartorial clásica y, por otro, una pluralidad cósmica de juegos culturales y teóricos, que se unen en la intersección entre el “ahora” y el “antes”. Me encanta que Miu Miu busque esta innovación, sin dejar de mirar hacia atrás, hacia la información archivística y cultural. Eso me inspira mucho.

Por supuesto, escribimos la ropa en virtud de ser seres móviles. La erotizamos con el lenguaje y el potencial del lenguaje, su deshacer. Me encanta la idea de que algo conocido, como una camisa, una falda o un par de pantalones, tenga también el sentido de ser un hito fantasma para otra cosa. Dentro de eso, puedes cooptar y recombinar casi infinitamente. Todo esto es una simple representación de los umbrales, de cómo los perturbamos y cómo los permeamos. Esta es también la esperanza de 30 Blizzards.