Cómo el vestuario de Como agua para chocolate revive el México del siglo XX

JL: ¿Qué fuentes consultaste para entender la indumentaria femenina y masculina del México de principios del siglo XX?

AR: Los libros históricos con fotografías e ilustraciones fueron nuestra principal fuente, así como textos especializados en corte, telas y materiales utilizados en la época. Esto me permitió comprender mejor el contexto histórico, las diferencias entre México y Estados Unidos, las características de cada clase social y el estilo revolucionario.

JL:¿Qué papel jugó la investigación sobre textiles, bordados y técnicas artesanales en el diseño final?

AR: Fue uno de los aspectos más importantes: una fuente constante de inspiración y la base para saber por dónde comenzar.

JL: ¿Te inspiraste directamente en la novela de Laura Esquivel o partiste más del guion y la visión del director/a?

AR: En el momento de crear, todo se vuelve inspiración: el libro, la película, las fotografías, los guiones y la visión del showrunner, el director, el director de arte y la fotógrafa.

JL: ¿Qué licencias creativas decidiste tomar para actualizar o reinterpretar ciertos looks?

AR: Cuando trabajo en época, me parece fundamental apegarme lo más posible a la realidad histórica. El contexto político, social y económico de México jugó un papel muy importante en la toma de decisiones. Imitamos los cortes y utilizamos únicamente materiales naturales.

Obviamente, esto se volvió complejo debido al tiempo con el que contábamos, por lo que decidí rentar vestuario en Peris Costumes Madrid para poder alcanzar el nivel de fidelidad que buscábamos.

Un ejemplo de licencia creativa fueron las enaguas, faldas o vestidos que originalmente llevaban tal cantidad de tela que podían pesar muchos kilos, lo cual no era práctico para las actrices al momento de actuar. Por ello, recurrimos a técnicas de costura que nos permitieran generar volumen sin necesidad de utilizar tanta tela. Agradezco mucho la confianza y la libertad creativa que nos brindó HBO.

JL: ¿Cómo lograste equilibrar la fidelidad histórica con una estética atractiva para la audiencia contemporánea?

AR: Creo que fue un trabajo en conjunto con el diseñador de producción Antonio Muñohierro y la fotógrafa Ximena Amann. Buscamos crear ambientes orgánicos donde cada detalle estuviera pensado no como un elemento aislado, sino como parte de un todo. Planeamos cuidadosamente los fondos y la paleta de color. Por mi parte, fue fundamental entender cuál era el mejor corte en la ropa para cada cuerpo y para cada momento de la historia. Un ejemplo es el caso de Rosaura, a quien fuimos “engordando” gradualmente a lo largo del rodaje. También pensamos estratégicamente en el uso de ciertos tonos para acentuar emociones.

JL: ¿Existe algún guiño o referencia intencional a la película de 1992 en el vestuario?

AR: No. La película me parece buena, pero considero que no está tan apegada a la época como lo está la serie.

JL: ¿Cómo trabajaste el vestuario para reflejar la evolución emocional de Tita a lo largo de la historia?

AR: Intenté entender la psicología del personaje, marcada por un amor imposible, y todo lo que le sucede. Por ejemplo, su estancia en casa de Brown, donde no conserva ninguna prenda de su pasado, representa una oportunidad de empezar de nuevo. También está la libertad que experimenta tras la muerte de Mamá Elena. En esta temporada vemos a una Tita que madura; ya no es una niña, sino una mujer.

JL: ¿Qué personaje representó el mayor reto en términos de construcción visual y por qué?

AR: Sin duda, Rosaura. Tuvimos que diseñar una botarga que permitiera aumentar o disminuir el grado de gordura según lo requería cada escena. Su personaje enfrenta grandes retos: es la hija mayor y debe imitar ciertos rasgos de su madre; asume más responsabilidades en la hacienda, atraviesa dos embarazos, una enfermedad y, sobre todo, la amargura del desamor.